LA

ESCUELA___

No hacer nada nació en 2015 cuando aún éramos estudiantes en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” en la Ciudad de México. Surgió del interés por observar y conocer más a fondo la obra y proceso de nuestrxs colegas. También como una respuesta ante la existencia de tantos proyectos en los que solo onvres tenían un espacio para desenvolverse.

Desde el principio, uno de nuestros objetivos ha sido crear una plataforma para artistas al inicio de sus carreras, como nosotras, para entre todxs tomar / hacernos de espacios y que estos se adecúen a nuestros intereses profesionales y afectivos.

Estamos constantemente buscando maneras de contrarrestar las estrategias de violencia e invisibilización sistemática al trabajo que la mayoría de las instituciones ejerce o ha ejercido contra lxs artistas.

También estamos interesadas en identificar y mostrar los ejercicios de autoentendimiento que suceden en el proceso artístico, que son usualmente dejados de lado por su subjetividad; pensamos que son sumamente valiosos para el desarrollo de ideas.

No hacer nada, el nombre de nuestro proyecto, es una negatividad activa. Retomamos esta idea porque “hacer” desde esta postura otorga un carácter potencial a las pausas, a los rastros, a las faltas. Es un juego de palabras, la doble negación para la lógica es una afirmación, pero en la lengua española, una doble negación es una reiteración. Nos gusta movernos entre la ambigüedad académica e institucional que supone el nombre y explorar los significados posibles aplicados a nuestra labor artística. No hacer nada como resistencia y contradicción, usar la polisemia a nuestro favor para dejar de hacer cosas con las que no estamos de acuerdo y hacer a nuestro modo.

Nuestro enfoque como artistas y la manera en la que nos involucramos genera un equipo de trabajo en el que el papel curatorial no tiene una jerarquía académica. Tratamos de exponer nuestro punto de vista tanto social como artístico, pensando en la curaduría como un acto creativo. Estamos constantemente rebotando ideas con nuestrxs colegas sobre cómo nuestro trabajo cumple o no una función para una comunidad del arte que está en continua formación y ruptura.

Es como si nohacernada fuera un organismo que se contrae y se expande. Siempre tratamos de involucrar a lxs colaboradorxs e incluso a lxs espectadores lo más posible en el proyecto. Para ejemplificar este punto, nos gustaría hablar sobre Encarno todo lo que temes y odias, una exhibición que inició en 2020. En ese momento, la movilidad y el contacto con otras personas todavía era bastante restringido por la pandemia. No se podían hacer exposiciones físicas en un sentido tradicional del término, así que los proyectos y espacios, tanto institucionales como independientes, comenzaron a generar contenido digital, pero en la mayoría de los casos sin problematizar el medio, simplemente haciendo una traducción literal del espacio físico al espacio virtual.

Hicimos una selección de cinco obras que nunca habíamos visto en persona, solo en una pantalla. Les pedimos a las autoras que nos mandaran una buena fotografía de cada obra y que nos dieran su autorización para hacer reproducciones impresas tamaño doble carta. Imprimimos en risografía 50 copias de cada una de las obras. A través de nuestras redes sociales, exhortamos a las personas que quisieran recibir una exposición, a que nos mandaran su dirección postal física.

A las primeras 50 personas que nos mandaron su dirección, les mandamos por correo postal la exposición, que consistía en las reproducciones impresas de esas cinco obras. Además, incluía una hoja con el texto curatorial y al reverso indicaba al receptor realizar de manera libre el montaje de la exposición, tomarle registro fotográfico y posteriormente mandárnoslo a nuestro correo electrónico. Fue así como una exposición tuvo 50 montajes diferentes en distintas ciudades de México y otros países.

Todos los proyectos han implicado aprendizajes particulares. Pero por mencionar alguno, podemos hablar del más reciente, Cuerpo Hablante, una exposición impresa (libro) hecha con el apoyo del ESPAC, que incluye el trabajo de 30 artistas. El título es una cita a Paul B. Preciado, quien piensa que los cuerpos se reconocen como hablantes en lugar de mujeres / hombres y reconocen la posibilidad de acceder a todas las prácticas significantes, así como a todas las posiciones de enunciación, en tanto sujetos, que la historia ha determinado como masculinas, femeninas o perversas.

Nos interesa partir de esa indefinición de lo que son lxs cuerpxs, para evitar hablar por ellxs y de ellxs como entes binarios que se vuelven objetos de estudio y percibirlxs como cuerpxs que se enuncian y se sitúan a sí mismxs desde sus particularidades. La selección de artistas participantes aborda la lucha constante por entenderse y redimensionarse para tomar su espacio y la palabra (escrita o hablada). Los vínculos son sensibles y se hacen perceptibles, aunque no haya palabras ni fórmulas para explicarlos de manera concreta y cerrada. Partimos de confiar en la subjetividad de las sensaciones para ir entramando las ideas de este experimento curatorial.

Solemos enfatizar la performatividad de una exhibición como una manera de contradecir esa obsesión occidental y colonial de preservación y sacralización del arte como objeto. Pensamos que el hecho de declararnos en movimiento evita concebir nuestras prácticas como estáticas o neutrales.